O que foi o Cinema Estrutural?

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Marcelo Kricheldorf

O Cinema Estrutural é um movimento de vanguarda proeminente que surgiu nos Estados Unidos na década de 1960 e no Reino Unido na década de 1970, focado na exploração dos aspectos materiais e formais do meio cinematográfico, em vez de narrativas tradicionais ou lirismo subjetivo. O termo, popularizado pelo crítico P. Adams Sitney, descreve filmes que adotam uma simplicidade de formato e uma estrutura rigorosa, frequentemente percebida como uma unidade imediata ou gestalt.
O Cinema Estrutural nasceu como uma reação ao cinema narrativo hegemônico (mainstream), buscando uma autocrítica radical da própria linguagem cinematográfica. A sua origem está ligada ao contexto das artes visuais da época, nomeadamente o Minimalismo, do qual Sitney apropriou ideias sobre a simplicidade do formato e a predeterminação da estrutura. O movimento rejeita as convenções ilusionistas do cinema tradicional, como a montagem invisível e a identificação do espectador com os personagens, para expor o “veículo cinematográfico” em si, desde a base material do filme (os frames) até às questões temporais e de movimento.
Embora o movimento não tenha uma lista canônica rígida devido à natureza experimental, alguns cineastas são frequentemente associados a ele:
Michael Snow: Um dos diretores mais emblemáticos, conhecido por filmes que exploram o movimento da câmera e a perceção temporal, como Wavelength (1967), que consiste num único e lento zoom através de um loft, e La Région Centrale (1971).
Tony Conrad: Músico e cineasta experimental, cujas obras frequentemente focam em padrões repetitivos e na materialidade do filme.
Hollis Frampton: Conhecido por filmes complexos e intelectuais que abordam a estrutura, a linguagem e a história, como Nostalgia (1971).
Paul Sharits: Focou-se na exploração da cor e da estrutura do frame individual, criando filmes que desafiam a perceção visual.
Joyce Wieland: Uma artista canadense que também produziu filmes experimentais dentro desta estética.
As características chave do Cinema Estrutural incluem:
Recusa do lirismo e da subjetividade: Foco em aspectos estritamente formais e materiais.
Estrutura predeterminada e rigorosa: O filme segue uma regra ou sistema claro (um único plano-sequência, uma duração fixa, um movimento de câmara repetitivo, etc.).
Ênfase na materialidade: Exposição do próprio meio, como a ação mecânica da câmara, o grão da película, o som e a imagem como elementos distintos, e a manipulação do tempo.
Distanciamento do espectador: O objetivo é criar um pensamento crítico sobre o cinema, em vez de uma imersão passiva.
O Cinema Estrutural dialoga diretamente com a Arte Moderna e, em particular, com o Minimalismo e a Arte Conceptual. A simplicidade e a forma geral (overall shape), que se confunde com a estrutura simplificada, são conceitos partilhados. Além disso, a relação entre o cinema estrutural e a música experimental é forte, especialmente a música minimalista e repetitiva. Compositores como Steve Reich e Philip Glass usaram estruturas repetitivas e processos graduais, técnicas que encontram paralelos nos filmes de Snow e Conrad.
O Cinema Estrutural pode ser visto como uma forma de resistência, não necessariamente política no sentido convencional, mas estética e ideológica. Ao romper com o cinema institucional e normativo que, segundo os teóricos, promove uma espécie de “alienação das massas” através de aparatos ilusionistas, os estruturalistas oferecem uma alternativa crítica. Eles resistem à mercantilização da imagem e convidam o espectador a uma experiência ativa e consciente da perceção e do próprio meio cinematográfico.

Os principais filmes do cinema estrutural (Cinema Estruturalista) que definiram o movimento são:

Wavelength (1967), de Michael Snow.
Serene Velocity (1970), de Ernie Gehr.
Zorns Lemma (1970), de Hollis Frampton.
N:O:T:H:I:N:G (1968), de Paul Sharits.
The Flicker (1966), de Tony Conrad.